SEMINARIO INTENSIVO DE COMPOSICION Y PROCESO CREATIVO
Problemas de la representación y su posible abordaje sobre a la creación.

Universidad Tecnológica de Chile INACAP
Sede Concepción-Talcahuano


Planteo general
Este seminario propone una semana de trabajo de tres horas cronológicas, en una sola etapa de trabajo. La que consistirá en tratar procesos creativos correspondientes a la composición coreográfica en danza y como esta puede ser parte del abanico de herramientas dentro de la creación escénica.
Se tratarán los problemas de representación de la danza espectáculo occidental, apoyado de una pequeña ponencia, mas cuestiones básicas de estructuras de la composición, como sustento argumentativo del seminario, a cabo de entregar un panorama del quehacer occidental de la danza.

Descripción
Sustento histórico a cerca de los problemas de la representación
Para comenzar a realizar un panorama actual de la creación en danza, es necesario referirnos sobre los problemas de la representación de la danza espectáculo occidental[1], como una instancia que permite la comprensión de la [2].
Remontarnos hacia las primeras manifestaciones de la danza espectáculo occidental, nos delinea dos ejes de suma importancia en la discusión de esta problemática, es decir, danza clásica y danza moderna.
Por un lado la danza clásica influenciada por el contexto sociocultural y político de la época
[3]estuvieron guiadas por un pensamiento racionalista. Donde la comprensión del cuerpo correspondía a un cuerpo medible en su completa relación temporo-espacial.
Hacia el 1661 con la creación de la Academia en Francia, se profesionalizó la danza y por ende su contexto metodológico requería de la misma instancia, es decir, crear una técnica que entrenara los cuerpos y lograra posiciones y figuras perfectas a diferencia de las que podría lograr un cuerpo cotidiano. Para ello era necesario que el movimiento de las piernas, brazos, torso y cabeza, tuvieran puntos y direcciones claras, posiciones regladas como los port de bras y piernas en en dehors.
[4]
Fuera de toda representación política que en algún momento vivenciaron las primeras manifestaciones de la danza, la creación de la academia abrió nuevos campos que requerían ser cubiertos para la difusión como institución. Instancias donde los alumnos mostraran el trabajo realizado junto a sus maestros, y que mejor que los teatros como puntos de encuentro social, es decir la creación a cargo del coreógrafo.
Los coreógrafos de la época, se enfrentaron con un problema producto del cuestionamiento sobre la comprensión de la pieza danzada. Cómo decir lo que ellos querían decir, a través de este lenguaje codificado.
Como posible solución para la comprensión de la obra fue necesario recurrir a la pantomima, que ya en los Ballet d’Action, de Jean George Nouverre, la pantomima era el gran sostén de la comprensión narrativa de sus obras.
El gesto como resolución de la idea, aparece muy fuerte dentro de la narrativa de las obras de la danza clásica, donde la pantomima o mimesis juega un rol fundamental, para la comprensión de obras tan conocidas como es el Lago de los Cisnes de Marius Petipa.
Como contra respuesta junto con la modernidad en la historia del hombre, aparece la llamada Danza Moderna o Moderna Dance
[5]. Que dentro de sus principales exponentes tenemos a Isadora Duncan[6], Martha Graham[7] y Doris Humphrey[8] en USA y a Mary Wigman y Rudolf Laban en Alemania con la Aushdrucktanz o danza de expresión.[9]
Graham y Humphrey a diferencia de su antecesora Isadora Duncan, lograron establecer un entrenamiento que no utilizaba los mismos patrones de la danza clásica, como utilizar ropa suelta, pies descalzos etc.
La inclusión de un condimento particular en sus creaciones coreográficas (tanto de Duncan, Graham, Wigman y Humphrey), reivindicaba al cuerpo de la danza moderna, como un cuerpo expresivo, es decir, un cuerpo comunicador de sus emociones.
Es aquí la problemática a cerca de la representación repercuten básicamente sobre la comprensión de la obra y donde la llamada emoción y/o expresión, sale a relucir como principal respuesta al problema comunicativo de las obras danzadas.
La danza moderna, con casi cuatro siglos de ejercicio en el mundo entero, heredó patrones de entrenamiento, que correspondían a códigos cerrados en si mismo, y que no representan otra cosa que no sea el cuerpo en movimiento. Es aquí donde la expresión no esta al servicio de la comprensión de la obra, sino que es un mero complemento al movimiento abstracto de la danza.
Entonces, como se puede decir lo que se quiere decir, sin recurrir a la mimesis ni a la expresión.
Hacia mediados de los años sesenta aparece uno de los grandes coreógrafos que trae consigo una posible solución a estos planteos.
Merce Cunningham, en USA, se dedico a trabajar con el medio expresivo de la danza, el movimiento. Y es en esta época donde se trazan muchos de los planteos que han revolucionado los estudios actuales de la danza espectáculo occidental.
Sus obras coreográficas, hablan de un cuerpo en movimiento y como esta puede hablar de cierta narratividad sin recurrir al gesto ni a la expresión.
Este movimiento conocido como Formalismo, dio los principios de la Post Modern Dance
[10], donde grupos tales como la Judson Group, se preocuparon de otras temáticas ya no sobre el entendimiento de la pieza dancística, sino mas bien en quitar los cánonones impuestos por la academización, y trabajar con cuerpos dóciles, sin entrenamiento y abordar temáticas cotidianas.

Planteo específico del seminario
Trataremos situaciones sobre como abordar la narratividad de la obra (entendida como ese hecho representacional, que dado el contexto corresponde a la obra que cada grupo trabajará en el seminario), poniendo énfasis al discurso kinético como sustento de la creación.
Porque la kinésis?
La kinésis o el movimiento como sustento de la obra, es el principal motivo por el cual transitaremos las formas de abordar la creación.
Básicamente el movimiento, es la única materia o médium expresivo de las artes corporales. Toda narratividad transita sobre este hecho, es decir el movimiento. Donde es necesario reflexionar, cómo se dice a través del movimiento lo que se quiere decir.
Es así donde trataremos una línea de trabajo sin recurrir ni a una ni a otra, para la comprensión de la obra.
Nos centramos en el medio expresivo de las artes corporales, el cuerpo y movimiento. Y desde ahí encontrar la narratividad del cuerpo como herramienta única. Y cómo, tras el tratamiento de esto, lograr la autonomía y autenticidad en la creación corporal.

Proceso de trabajo
Se propone trabajar con elementos esenciales de la composición coreográfica, que son Tiempo-Espacio y Energía
[11]. Y como grandes ejes ordenadores Idea, Tema y Variación.
La idea, es la primera imagen que surge como necesidad sobre la creación.
El Tema surge como consecuencia de la idea, es decir, la línea por la cual transitará la creación.
Tema y Variación, corresponde a una herramienta de la composición musical, que en nuestro estudio, tiene la misión de indagar las posibilidades y variaciones de nuestro tema.
Como herramientas dentro de la composición, surgen los planteos de tiempo, espacio y energía, que sin duda la investigación de estos factores enriquecen de matices y contrastes el lenguaje escénico.

Metodología de trabajo
Cada clase contará con una pequeña charla introductoria, para diseñar las pautas de trabajo.
Se trabajará en forma grupal, de tres a cuatro personas por cada grupo, para delinear las primeras ideas que trabajaremos estas son tres: Idea sensorial, Idea Kinética, Idea Narrativa, de las cuales se darán consignas para cada una de ellas y cada grupo procederá a la elección de una de ellas.
La Idea
[12] como instancia generadora o impulsadora de la creación, la Idea como pretexto coreográfico y de investigación. La idea, como fuente inspiradora y ordenadora.
El proceso creativo estará a cargo de cada grupo, donde existirán pequeñas mesas de trabajo y discusión de sus ideas. Para continuar con el proceso de investigación a cerca de discurso y su tratamiento.
Después de cada instancia de trabajo, se procederá a la revisión y discusión del trabajo realizado en clases, donde los propios creadores y pares del curso discutirán a cerca del trabajo visto.
Después de la semana de trabajo, se realizara una pequeña muestra, de work in progress,
[13] al tratarse de un seminario.

Idea Narrativa
Extracto de poesía de Luz Mercedes Arango

El cuerpo escrito es mi cuerpo desnudo,
ahí marco mi tiempo
con morados, con rayas,
con desiertos, con humedad,
con surcos.
Nada que añadir a mi cuerpo desnudo,
él sólo es un grito, un aullido
de odio, de dolor,
un registro del tiempo.

Idea Kinética
Rebote-péndulo; cortado-ligado

Idea Sensorial
Mojado-Seco

ESPACIO – TIEMPO – ENERGIA


Espacio
Niveles: alto-medio-bajo
Cambio del DISEÑO, en el espacio u orientación.
Central o periférico

Tiempo

Rápido-lento

Como silencio o retención del tiempo; como ritmo.

Energía
Fuerte-leve
Como cambio de tono muscular

OTRAS HERRAMIENTAS

Estas herramientas corresponden a parámetros a utilizar en el material que se geste a partir de la investigación.
Estos parámetros en un principio corresponden a situaciones académicas de la composición coreográfica, los que pueden variar sin problema dentro de una utilización y abordaje muy personal de la creación, destacamos los siguientes:

ACUMULACION

Es la realización progresiva de un movimiento, in crescendo o bien lo contrario decrescendo. A través de una acumulación ascendente o acumulación descendente.
La acumulación la utilizó en primera instancia Trisha Brown en USA, utilizado a través de composiciones matemáticas y estructurales de sus piezas coreográficas.

1
12
123
1234 ACUMULACION ASCENDENTE
[14]
12345
123456
1234567
12345678

12345678
1234567
123456
12345
1234 ACUMULACION DESCENDENTE
[15]
123
12
1

REPETICION
Es la continua ejecución de un movimiento, o secuencia de movimiento, acentuando el tono dramático de ese momento, cambiando por ejemplo, el tiempo, el espacio o la energía. Distinta a la acumulación, por su base estructural.
Pina Baush fue la primera en utilizar esta herramienta coreografica, como en uno de sus trabajos “Café Müller” o “Consagración de la Primavera”
[16].

UNISONO
Es la ejecución armoniosa y homogénea de pasos o secuencias de movimiento, donde hay una similitud de direcciones y sentido espacial. El cuerpo de baile se mueve de igual forma.
Diferencia del canon libre, donde hay una diferencia de ejecución, por pequeños o grandes detalles.


[1] Al referirse sobre queda excluido del estudio, danzas folclóricas, danzas de ritual, danzas orientales y etc.
[2] Al hablar de , se abre este sentido dualístico de la crear como potencial del artista; y por otro lado componer, como el sentido artístico de poner u ordenar algo en el espacio.
[3] Las primeras manifestaciones de la danza, fueron las danza cortesanas, que tenían cabida solo en este contexto y eran de divertimento para la corona e incluso para su representación como fuerza política.
[4] Port de bras, se llama al movimiento de los brazos que luego se diferencian con una numeración ascendente. En dehors, de la traducción al español, hacia afuera. Corresponde a la posición abierta de los pies, los que puestos de forma diferente, logran posiciones que reciben nombres de números, como primera posición, segunda posición y etc.
[5] Modern Dance, como referencia de lugar y de idioma, ya que sus inicios se pueden encontrar en Norteamérica.
[6] Creadora de la danza libre, se puede establecer históricamente que Duncan es la bisagra entre la danza clásica y la danza moderna, se conoce también a Duncan como exponente de la danza de los pies descalzos.
[7] Creó la técnica de Contraction/Release basado en la utilización expresiva del torso, tecnica que recibe su nombre y es mundialmente conocida, Graham Technique.
[8] Coreógrafa y exponente clave de la danza estadounidense, publico el libro “El arte de crear Danzas” y además creó la relación Fall and Recovery, que luego su discípulo José Limón tomó para realizar la técnica Humprey-Limón.
[9] Laban y Wigman, conocidos como los precursores de la danza europea, Laban creó The Laban Notation, como forma de escritura de la danza.
[10] Cunningham como bisagra histórica del paso hacia la contemporaneidad de la danza.
[11] Tiempo-Espacio-Energía, líneas referenciales del trabajo de Rudolf von Laban en Alemania.
[12] Idea, como concepción y referencia hacia Platón.
[13] Trabajo en proceso
[14] Ocho movimientos como forma ejemplificadora.
[15] Ídem.
[16] Consagración de la Primavera, originalmente es una obra de Vaslav Nijinsky, bailarín y coreógrafo Ruso, perteneciente a Les Ballet Russes de 1900.

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